黎星、谢欣、李艳超、胡婕……9月19日至20日，由多位顶尖舞者携手呈现的舞蹈剧场《大饭店》在上海大剧院连演两场，为申城观众的中秋假期带来了一场艺术的盛宴。

这是青年舞蹈家黎星的导演处女作，自2018年首演以来，《大饭店》曾四次到访上海，此次来沪也是该作品的第50场纪念演出。什么是舞蹈剧场？《大饭店》有哪些看点？为什么将纪念演出放在上海？带着疑问，日前，记者与黎星展开了对谈。

什么是“舞蹈剧场”？

在《大饭店》的票根上印着四个字“舞蹈剧场”，许多人对于这个概念或许有些新奇，它和传统舞剧有何不同？自2018年首演起，黎星就经常被问到这个话题。

其实，在黎星看来，这并不算是一种先锋的创作。“比如我刚刚演的《沙湾往事》，还有上海现在最有名的《永不消逝的电波》，这些都是传统舞剧，有一个很完整的戏剧故事。”

但舞蹈剧场更侧重肢体，“可能只是一个气质、一个符号或者一个词就可以形成动作，更多的是以身体出发的一个基础，这个就是现代舞的剧场。”在黎星看来，这种表演的魅力在于，肢体解放后，舞者有了更多表达的可能，也给了观众更多想象空间。

尽管是处女作，但《大饭店》的制作也算大手笔了。不仅有精良的音效、舞美，黎星还特意从欧洲请来了顶级的灯光师，“与国际艺术家合作，也是希望作品有一个更国际化的呈现，在后续的巡演中可以一直保持这种品质。”

服装颜色里揭示人物个性

回到作品本身，《大饭店》讲述了七个不同身份、性格的人在“大饭店”这样一个相对封闭的环境里，上演了一场罗生门般的故事。选择这个主题，与黎星的生活经历密切相关。

黎星告诉记者，因为自己常年在外演出，总是会住在不同的酒店，遇到来来往往的旅客。“我记得2015年，我在北京只呆了23天，行李箱里有时要带上三个季度的东西，你会发现，酒店对于我们来说特别像是一个移动的家。”

但每个人又总有独处的时候，回到房间也会与自己对话。于是，黎星将这些经历化作创作素材，得到了舞台上的七个人物。入住大饭店的七名房客，也成为了七块碎片，通过“七种人生”拼出了一个完整的小世界。“他们身上的故事，每一天都发生在我们身边，观众看着舞台上的爱恨情仇时，其实也是在看自己。”

黎星坦言，自己是一个对色彩和画面十分敏感的舞者，这在《大饭店》中也有体现。比如剧中的7个人物穿着不同颜色的衣服，这些颜色其实都有不同的寓意。

“比如情人的扮演者，她是欲望的象征，她裙子的颜色是罂粟红，是罂粟花开得最艳快败时的红，红得最极致；夫人穿的是蓝，我们用的是木蓝，在西方的油画里，只有圣母穿的衣服才可以用这个蓝色，所以，服装颜色的出处和人物的身份都是统一的。”

喜欢与上海观众对话

黎星告诉记者，不仅作品本身颇具看点，这次在上海大剧院的演出还恰逢《大饭店》50场的重要节点。因此，这次演出集中了谢欣、李艳超、胡婕等多位国内顶尖舞者，堪称全明星阵容。

而之所以选择上海，黎星直言，是因为他十分喜欢上海的艺术氛围，“这座城市有着深厚的文化底蕴，有那么多观众愿意走进剧场，与艺术家们保持着良性的互动和沟通。而且上海开放、很包容，观众不会带着审视的态度来看戏，这种对话，对创作者来说是积极的反馈和鼓励。所以我们的作品到上海，我经常说可以多演几场，没事，上海观众能接住。”

黎星喜欢与上海观众对话，每一次都能汲取慢慢的能量和创作动力。不过，这一次来上海，赶上了黎星演出密度最大的一次。10天，他要横跨5个城市，担纲8场演出的主演。

在上海大剧院的《大饭店》演出前，黎星刚刚结束了舞剧《沙湾往事》在上海国舞剧场的沪上首秀。而忙完《大饭店》的50场纪念演出，他又要紧锣密鼓地赶往江苏大剧院，首演他导演兼主演的舞剧《红楼梦》。

希望每一部戏都掷地有声

采访时，记者注意到，忙碌的行程让黎星的脸上多了一丝疲惫，但只要谈起舞蹈，他的眼中立刻就有了光。黎星坦言，多个角色的交织的确带来了挑战，尤其是体力上的。但作为舞者，黎星对于“黄金年龄”有着自己的看法。

在黎星看来，舞者从学校毕业后就踏入了“黄金期”。“25岁前是身体的黄金期，比如《永不消逝的电波》里演小裁缝的何俊波正是当打之年，你想象不到的他都可以做到。”

而到了25岁之后，尽管体能上会有所影响，但黎星认为，这个阶段恰恰是演员塑造和丰富舞台角色的成熟期。“那时，你才知道什么叫做气定神闲的‘稳’，那个稳不光是人生经历的积累，还要有舞台上上百场演出的磨练。”

如今，迈入而立之年的黎星十分享受这个阶段，在他看来，这是舞蹈演员最好的时代，一定要坚持跳、不断创作。但不管是作为舞者还是导演，他都希望自己倾尽全力，“做每一部戏，我都希望它掷地有声！”

上海大剧院供图。